Nad on naised, nad on mustanahalised ja nad ei tee sellest kunsti


Mildred Thompson, 'Magnetic Fields', 1991; Õli lõuendil. (Mildred Thompson Estate)Autor Philip Kennicott Philip Kennicott Kunsti- ja arhitektuurikriitik Meil Oli Jälgi 1. november 2017

Uus näitus National Museum of Women in the Arts seab vastamisi kahele kunstimaailmas kinnistunud vääroletusele. Esiteks, et naised peaksid tegema naiselikku kunsti ja teiseks, et Aafrika-Ameerika kunstnikud peaksid tegema figuratiivset ja aktivistlikku kunsti, teoseid, mis seisavad silmitsi rassi, ebavõrdsuse, ebaõigluse ja mustanahaliste vägivalla pika ajalooga.





Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960ndad kuni tänapäevani keskendub mustanahalistele naiskunstnikele, kes töötavad väljaspool või väljaspool neid ettekirjutusi. Teos sisaldab tuliseid abstraktsioone, mis on tehtud hüübinud värviookeanidega, ja õrnaid väljatrükke roosade toonide ja rafineeritud jäljendiga. Mõned maalid purunevad seintelt ja domineerivad ruumis; teised vaikivad intiimselt ja tõmbavad vaatajat oma mõistatuslikule tagasihoidlikkusele aina lähemale. Kuid kõik trotsivad esteetilisi ootusi, mille juured on rassi ja soo suvalistes kategooriates.


Barbara Chase-Riboud, 'Zanzibar/Black', 1974–75; Must pronks ja vill. (Rodrigo Lobos / Barbara Chase-Riboud / Michael Rosenfeld Gallery LLC)

Nagu saate kataloogi sissejuhatav essee selgitab, töötavad need kunstnikud perifeeria perifeeria äärealadel. Kus on need mitmed perifeeriad? Arvestage mitte mingis kindlas tähtsuse järjekorras esimest sugu ja abstraktsiooni. Möödunud sajandi keskpaigani domineerisid selles valdkonnas mehed, kes võtsid ümber 19. sajandi ideed kangelasliku kunstniku ja emotsionaalse väljenduse deemonlike jõudude kohta. Naised, kes töötasid mitteobjektiivses stiilis, jäeti tähelepanuta, marginaliseeriti või tõlgendati valesti. Kui neil õnnestus oma tingimustel edu saavutada, oli põhjuseks sageli see, et nende kasutatud visuaalne keel peegeldas ootusi nende keha ja käitumise suhtes, väikseid, õrnaid žeste, summutatud värve või korduvaid vorme, mis rahustasid silma. Muidugi oli erandeid, kuid erandid tugevdasid traditsioonilisi ootusi tavapärasel viisil, et võim end kaitseb: kas te süüdistate meid teie kõrvalejätmises või marginaliseerimises? Noh, see üksildane vastupidine näide õõnestab teie süüdistust.

Järgmisena kaaluge rassi. Selle näitusega hõlmatud ajaraam jälgib kunstiajalugu alates kodanikuõiguste liikumise kõrgpunktist 1960. aastatel kuni meie aja liikumise Black Lives Matter. Paljud siia kuulunud naised seisid vastu kunsti tegemisele, mis oli selgesõnaliselt poliitiline või otseselt seotud mustanahaliste kogemustega. Abstraktset kunsti nähti sageli rassilises mõttes kui eliitvormi, mida praktiseerivad valged kunstnikud. Mustanahalised kunstnikud pidid mõtisklema mustanahaliste ideede üle, kasutades visuaalset keelt, mis tulenes afroameeriklaste või diasporaa kogemuse Aafrika juurtest.



[Rahvusgalerii vaatleb 10 Vermeeri kunstniku eakaaslaste kontekstis]

Mildred Thompson, üks selle näituse parimaid kunstnikke, ei saaks sellest midagi. Ta ütles, et kopeerida sümboleid, millest keegi aru ei saa, kasutada tahtlikult vormi, mida ei oska analüüsida ega hinnata, oli minu jaoks prostitutsiooni tipp. Ja ta ei olnud nõus abstraktsiooni eliitkunstnikele loovutama: võib-olla sellepärast, et olin elanud ja õppinud koos „valgega”, õppisin oma mustust hindama.

See on võimas iseseisvuse avaldus ning kriitikute, kuraatorite, teadlaste, kollektsionääride ja publiku juurdunud harjumused seavad järjekindlalt väljakutseid.



Seega tundub kaasatud kunst enesekindel, demonstratiivne, otsekohene ja vabandamatu. Kuid peale selle jagatud tundlikkuse on nende teoste vahel seoseid? Kas on stiili või detailide sarnasusi, mis seovad mõne üksiku teose 40 mõne muu vaatega? Kas on midagi, mis ületab üksiku kunstniku?

See on ohtlik territoorium. Kui hakkate neid linke otsima, võite piirata seda, mida kunstnikud on püüdnud säilitada: iga teose individuaalsust ja sui generis ekspressiivset sisu.

lihtne isetegemise energiaplaan pdf

Ja ometi näib, et seal on jälgi ühisusest või sugulusest, eriti selles, kuidas mitmed teosed väljendavad lõhenemist või lõhenemist. Võib-olla kajastab see seda, kuidas võim meie peal töötab, kuidas see ei loo lõhet mitte ainult sotsiaalsete rühmade vahel, vaid ka meie enesetundes. Võim ütleb meile, millised me peaksime olema, hoolimata sellest, kes me tegelikult oleme. See eraldab meid meie sünnipärasest väärikusest ja paneb meie ideedele, kingitustele ja panusele oma hinna.


Shinique Smith, 'Whirlwind Dancer', 2013–2017; Tindi, akrüüli, paberi ja kanga kollaaž lõuendil puitpaneelil. (E. G. Schempf / Shinique Smith / David Castillo galerii)

Shinique Smithi, Whirlwind Danceri suures ja dünaamilises kompositsioonis on dekoltee füüsiline. Maal näib algul kujutavat üht ühtset objekti, mingit keerist või pöörist, mis on endasse imenud poole sajandi pikkuse maalikunsti materjali ja killustiku puhta energia silmuste laineliseks väljenduseks. Kuid see on tegelikult kaks lõuendit ühendatud ja seda õmblust uurides mõistate, et jooned või kujundid ületavad jaotust vaid mõnes kohas. See metafoor energiast, mis on terviklik, hoolimata sellest, et see on hajutatud üle pilu või lõhe, on teose jõu olemus.

Barbara Chase-Riboudi skulptuur, mille pronksist ja riidest terasid on sel sügisel New Yorgi Michael Rosenfeldi galeriis vaadata, on jagatud horisontaalselt, riidest seelik näib kandvat pronksist torso tohutut raskust. Kuju loob dialoogi, mida paljud inimesed tunnevad sisemiselt, ürgse hirmu, et kõik võib kokku kukkuda, ja virgutava tunde vahel, et me suudame seda kuidagi olematuse eetris rippumas hoida.

[ Riiklik portreegalerii valib kunstnikud Obama portreed maalima ]

Jennie C. Jonesi esindab töö, mis kasutab akustilisi paneele klassikaliste minimalistlike abstraktsioonide loomiseks. Kuid akustilised paneelid toovad endaga kaasa vaikuse vihjeid ja dihhotoomiat, mis pole erinev sellest, mida soovitab Chase-Riboudi töö: kas need on vaikusest, mis on lõuend, millele muusika on kirjutatud, ja vabastav vaimne jõud või kui vaikitakse, mis on esimene ja põhiline võimustrateegia?


Howardena Pindell, pealkirjata, 1972-73. (Howardena Pindell / Garth Greenani galerii)

Need dihhotoomiad levivad kogu näituse vältel. Ühes eriti hingekosutavas teoses, Howardena Pindelli 1972.–1973. aasta pealkirjata maalis, on lõuend kaetud väikeste täppidega, mis on sama suured kui väikesed ümmargused paberitükid, mis jäid paberistantsi kasutamisel järele. Teises töös kasutab ta tegelikke ringikujulisi paberijääke, mis on segatud värviga, et luua kummalise kujuga autobiograafiline teos, mis viitab Jaapanis veedetud ajale. Kuid pealkirjata akrüülmaalil on ta hoolikalt maalinud nende kahemõõtmelise jälje lõuendile, millel on illusionistlik kortsude muster, nagu oleks kogu asi kappi topitud või hooldamata põrandale jäetud kuni puudusteni. võttis vormi. See on keerukas töö, mis paneb mõtte käima küsimuste ahelast — kes need täpid tegi, kes ja mis eesmärgil paberile augustas ning mis augustatava paberi lehtedele kirjutati? — mis lõpuks viitavad ideele tekstist või dokumendist, mida meilt varjatakse.

See on küsimus, millega võimule tuleb rangelt vastu astuda: mida meilt varjatakse? See näitus on üks praktiline, pragmaatiline vastus küsimusele. Kuid loomulikult tõstatab küsimus teise: mida me enda eest varjame?

Magnetväljad: Ameerika abstraktsiooni laienemine, 1960ndatest tänapäevani on vaadata National Museum of Women in the Arts kuni 21. jaanuarini. Lisateabe saamiseks külastage www.nmwa.org.

Soovitatav